聚光灯如瀑布般倾泻，将舞台中央的身影照得通透。烟台大学学生刘星言——这个名字在一个月前还只在小范围的校园摄影圈中被知晓，此刻正站在全国大学生摄影艺术展的最高领奖台上。

他微微欠身，从颁奖嘉宾手中接过那座沉甸甸的“2025年度最佳摄影奖”水晶奖杯，掌声如潮水般涌来。大屏幕上，他的获奖作品《灵栖心界》正在循环播放。而我，作为指导老师，深深明白他这一路走来的契机和不易。

1

觉醒：

从“被动按快门”

到“主动捕光影”

初入摄影课时，多数学生抱着“修学分”“拍美照”的心态，对课程要求的“光影理论”“构图法则”感到枯燥。刘星言同学坦言：“以前觉得摄影就是按快门，老师讲‘黄金分割’‘色彩情绪’，我根本听不懂。”

转折点出现在第三次实践课上。任务是拍摄“校园里的一角”，有学生机械地拍摄教学楼，有人敷衍地拍几片落叶。而刘星言同学在校园里拍摄蜜蜂落在樱花的一瞬间，拍摄微风中骑自行车的同学们青春的模样，他说：“那一刻我突然明白，摄影不是复制现实，而是用镜头讲故事。”

这种觉醒促使他开始主动钻研。在技术层面，为拍清雨滴坠落的瞬间，刘星言同学主动研究快门速度与光线的关系，甚至用手机慢动作功能辅助练习。

2

成长：

每天记录三个“意外瞬间”

刘星言同学曾因拍不出“有故事的照片”而焦虑。在我的建议下，他开始每天记录三个“意外瞬间”：可能是雨天路人共享伞下的微笑，也或者是炎热天气下的环卫阿姨等。

一个月后，他发现：“当我不再急着拍照时，反而能看见更多细节——光线的角度、人物的眼神、背景的隐喻。”

为突破“拍来拍去都一样”的困境，他分类记录生活中的美学元素。色彩：记录菜市场红辣椒与绿青菜的撞色、老城区斑驳墙面的复古色调；光影：拍摄树影在地面形成的抽象图案、逆光中飞舞的尘埃；瞬间：捕捉孩童踮脚够糖果的期待、老人翻旧照片时的温柔。

刘星言同学说：“这些碎片像拼图，当需要表达某个主题时，总能找到合适的‘视觉符号’，让我信手拈来。”

3

绽放：

热爱是最好的催化剂

“摄影教会我们两件事：一是世界远比想象中丰富，二是再渺小的存在都值得被看见。”这种认知的转变，正是摄影课程设计的深层目标。

在教学过程中，我尤其注重：不设限——鼓励学生突破“风光”“人像”等传统题材，去拍摄菜市场的吆喝声，甚至垃圾桶上的涂鸦；不评判——在初期阶段，更关注学生是否“真诚表达”，而非技术完美；不孤立——让学生随机交换相机拍摄，打破个人审美惯性。

从“被动接受”到“主动探索”，教育不是注满一桶水，而是点燃一把火。在作品互评环节，学生不再满足于“好看”，而是会追问：“这张照片想表达什么？观众为什么会被打动？”

当学生用镜头丈量世界，用影像传递思考，摄影便不再是一门课程，而成为一种生活态度——对细微处保持敏感，对平凡者心怀敬畏，对美好事物永远充满渴望。杨莹

作者简介：杨莹，宁波人，澳门城市大学硕士，现在烟台大学任教。